Quatre posters d'artiste.
Francesc Ruiz a conçu avec Cariño un camion qui se replie sur lui-même, comme s'il s'agissait d'un robot Transformer ou de l'image du bus à l'échelle 1:1 de Mason Williams. Du fait de son intérêt pour le monde de la logistique, de la distribution et des affects, l'auteur présente cette intervention comme s'il s'agissait d'une lettre d'amour et d'amitié, en reproduisant l'un des camions de l'entreprise de déménagement espagnole Cariño. Ce nom, qui est le toponyme d'une ville galicienne, peut également être traduit par le mot « affection » ou « chérie ». Le camion est conduit par un émoticône jaune en forme de cœur qui n'est rien d'autre qu'une synthèse des bonnes choses que nous recevons par courrier, une microdose de sérotonine, un coup de foudre pour tout le monde qui sert à égayer nos vies en ces temps étranges.
Avec Despertars (Réveils), Àngels Ribé (née à Barcelone en 1943) utilise le recto et le verso dans une idée d'avancée, de mouvement accentué par le pliage, le déploiement et le mode d'ouverture du poster. L' image immédiatement visible, une jungle « combative » glisse au verso vers un univers onirique néanmoins symbole d'inconnu, de menaces qu'elles soient intérieures ou extérieures…jusqu'aux réveils.
Polly Apfelbaum a choisi l'image d'une céramique peinte vernissée et de son nuancier réalisés à l'occasion d'une résidence à l'Université d'Arcadia, à proximité du lieu où elle a grandi. Pour cette production, elle s'est inspirée de l'esthétique traditionnelle allemande de Pennsylvanie. PA Abstract Quilt of 100 Colors est une réalisation contenant l'intégralité de la charte chromatique travaillée au cours de sa résidence et documentée dans PA Abstract Color Chart reproduite au verso.
Pour 2/5, Claude Closky inscrit sa proposition dans le prolongement de son travail sur la relation entre l'abstraction et le langage. Une image trop ouverte versus un discours trop fermé, une image qui est difficile à saisir versus un discours dont il est difficile de se soustraire. Le projet WOW! YEAH! s'appuie sur les deux formats opposés de la collection 2 / 5, livret A6 et affiche A2.
La collection
2/5 s'inscrit dans la lignée des
publications d'artiste éditées par Captures. Quatre invité.e.s par an interviennent sur un même espace, le format ouvert A2 (420 x 594 mm) donnant lieu à une variation de propositions en fonction du pliage. Les quatre titres sont distribués ensemble dans une enveloppe à chaque fin d'année.
Le dessin, la typographie et le design graphique sont les outils que Francesc Ruiz (né en 1971, vit et travaille à Barcelone) utilise pour modifier les publications qu'il active dans ses installations, et qui tendent vers une forme architecturale, telle que le kiosque, la librairie, le magasin de disque ou la bibliothèque. Fasciné par l'esthétique de la bande dessinée, qu'il lit depuis son plus jeune âge, Francesc Ruiz s'intéresse à sa construction narrative et à la complexité des systèmes sociaux qu'elle véhicule. Les comics érotiques et homosexuels en particulier lui permettent de traiter de questions telles que la censure et la liberté de création et regarder ainsi l'évolution des identités sociales et individuelles. Parallèlement à une recherche socio-politique, Francesc Ruiz s'intéresse plus généralement, dans la presse et la bande dessinée, aux différents aspects de la culture populaire qui dissimulent, derrière leur côté divertissant, un caractère subversif.
Àngels Ribé (née en 1943 à Barcelone) est uen artiste conceptuelle espagnole. Elle fait partie d'une génération d'artistes qui ont débuté leur carrière à la fin des années 1960, au milieu de profonds changements politiques et sociaux qui ont eu un impact direct sur la manière de concevoir la pratique artistique. Abandonnant le statut d'entité esthétique autonome qu'elle avait revendiqué au cours de la modernité, l'œuvre d'art s'ouvre à un processus de dématérialisation et de socialisation qui induit de nouveaux rapports avec le spectateur, l'institution artistique et le marché.
En 1967, étouffée par l'atmosphère oppressante de Barcelone, Àngels Ribé part en France pour étudier la sociologie. Installée à Paris, elle participe aux mouvements de mai 1968 et travaille bientôt dans l'atelier du sculpteur Piotr Kowalski. À cette époque, elle a découvert sa vocation artistique. En 1969, elle présente publiquement sa première installation, Laberint : un labyrinthe circulaire en plastique jaune transparent qui transforme l'espace d'exposition en une scène fluide de parcours improvisés par les spectateurs.
Dans les années 1970, Ribé s'installe aux États-Unis (Chicago et New York) et entre en contact avec une série d'espaces artistiques alternatifs qui reflètent la scène artistique émergente. C'est à ce moment-là qu'elle consolide les éléments de base de la grammaire artistique qui avait commencé à prendre forme pendant sa période parisienne, et que sa dévalorisation de l'objet devient évidente. Ribé crée des installations et des performances éphémères, qu'elle documente de manière poétique par la photographie. Son corps était le point de convergence d'actions extrêmement médiatisées, dans lesquelles les processus et éléments naturels jouaient un rôle clé. Ribé s'engage essentiellement avec la nature à travers deux voies : l'une plus immédiate et sensorielle, liée à des expressions physiques, et une autre plus abstraite dans laquelle la géométrie est le principe organisateur.
Dans les années 1980, Ribé retourne en Espagne et renoue avec son intérêt pour la nature objectale de l'œuvre d'art et son incarnation sculpturale. Elle commence à travailler avec du fer et, à partir de 2000, avec des néons – ce qui la reconnecte à la nature incorporelle de la lumière et de l'espace –, et produit en même temps un vaste corpus d'œuvres graphiques.
Polly Apfelbaum (née en 1955 à Abington, Pennsylvanie) est une artiste américaine, principalement connue pour ses dessins colorés, ses sculptures et ses pièces de sol en tissu, qu'elle qualifie de « peintures tombées » ou de « sculptures affaissées ». L'œuvre de Polly Apfelbaum, qui comprend des installations à grande échelle de textiles, de céramiques et de dessins, s'inscrit dans différents contextes politiques et dans l'héritage de l'art américain d'après-guerre. Apfelbaum combine une variété de médiums avec des couleurs et des motifs attrayants pour brouiller les lignes entre la peinture, la sculpture et l'installation, tout en explorant les frontières entre l'art et l'artisanat. Elle choisit des matériaux, tels que le textile et la céramique, que l'on trouve habituellement dans le domaine domestique, et met l'accent sur leurs qualités essentielles, en particulier la couleur et la texture. De cette manière, Apfelbaum adopte une position politique et féministe, remettant en question les hiérarchies dans la pratique culturelle.
Claude Closky (né en 1963 à Paris, où il vit et travaille) est une des figures importantes de l'art contemporain français et l'auteur d'une œuvre aussi protéiforme (peintures, sites internet, sculptures, photographies, dessins, vidéos, collages, livres, œuvres sonores, etc.) que profondément rétive à toute spectacularisation. Son travail s'appuie sur une observation fine des médias et du monde de la communication pour produire une tentative critique, et drôle, d'épuisement des modèles de représentation majoritaires, notamment la publicité. Son œuvre a été exposée dans de nombreuses institutions comme le Centre Pompidou à Paris, la Fondation Miró à Barcelone, le MoMA de New York ou encore le Akbank Art Center d'Istanbul. L'artiste est également lauréat en 2005 du Prix Marcel Duchamp.
