La rébellion du Deuxième Sexe – L'histoire de l'art au crible des théories féministes anglo-américaines (1970-2000)

Introduction
La rébellion du Deuxième Sexe : sus à une histoire de l'art androcentrée ! Penser une épistémologie des multitudes
(extrait)


Perspective française… sur un développement théorique anglo-américain


Au-delà d'un hommage à la pensée de Simone de Beauvoir, qui a instillé un nouveau souffle au féminisme français de l'après-guerre avec la parution du Deuxième Sexe en 1949 (1), cet ouvrage se veut une boîte à outils féministes, non seulement pour analyser les paradigmes d'élaboration d'une histoire de l'art androcentrée, mais aussi pour donner les moyens d'en forger une autre – et au-delà de penser les diverses formes de domination et de résistance dans notre rapport à la culture visuelle, omniprésente dans la culture contemporaine. Dans les années 1970, alors que Le Deuxième Sexe devient une référence pour la seconde vague féministe, influençant les théories féministes et artistiques anglo-américaines en plein essor, le mouvement artistique féministe français ne se développe pas de manière forte et durable. Beauvoir elle-même n'a pas vraiment examiné ce sujet, délaissant ce champ symbolique alors que sa propre sœur exerçait le métier de peintre (2). Par contre, elle a inauguré les recherches sur les constructions de genre, rejetant une pensée articulée autour d'un sujet femme ontologique pour affirmer celle de la fabrique culturelle des femmes et des hommes. La France affiche ainsi un retard dans la validation des travaux féministes en art, alors que des esquisses de théorisation ont existé à plusieurs reprises (3), que des publications collectives récentes commencent à combler le manque de transmission (4) et qu'un nombre croissant de travaux universitaires s'y intéressent. De rares expositions jalonnent également l'histoire française (5), couronnées en 2009 par une exposition des collections du musée national d'Art moderne, « elles@centrepompidou (6) », dont l'étage contemporain est entièrement consacré aux travaux des artistes femmes. Si cet acte, en soi positif et courageux, apporte une contribution à la visibilité des plasticiennes – après une série d'expositions dans les pays anglo-américains et européens ces dernières années (7), il est encore nécessaire de développer en profondeur une perspective féministe en histoire de l'art – dans un sens large, qui englobe les développements des gender studies et des queer studies. Ces réticences questionnent non seulement notre pseudo-universalisme à la française (8), qui a négligé la moitié de sa population, mais aussi le dédain réciproque entre le mouvement féministe et le champ des arts plastiques.

Depuis les années 1970, ces questions ont été résolument prises en charge dans les pays anglo-américains, permettant aux générations suivantes d'intégrer ces connaissances et de complexifier les analyses par des données en provenance d'autres catégories et d'autres rapports de pouvoir – vitalité, perspicacité politique, engagement, franchise et dialogue permanent dont les textes retenus pour ce recueil rendent compte. Sur le plan éditorial, peu d'ouvrages de ce riche corpus de quarante années d'épistémologie féministe ont été traduits et les quelques publications en français qui ont commencé à prendre le relais (9) soulignent, par contraste, l'absence, l'ignorance et la timide émergence de ces questions (10). Yves Michaud soulignait déjà, au milieu des années 1990, le faible succès éditorial des traductions de Linda Nochlin qu'il avait suscitées et l'archaïsme caractéristique de l'histoire de l'art en ce domaine (11). À ce sujet, les traductrices ont cherché des équivalents dans la langue française aux expressions forgées par les théoriciennes anglo-américaines, pour ne pas surcharger les textes et permettre une intégration des notions clefs. Certains termes, après d'âpres discussions au sein du féminisme français, sont ainsi passés dans le langage courant – par exemple le terme de genre, qui comprend l'idée d'une construction sociale. Les traductions ont aussi gardé le ton d'origine, qui se situe entre un engagement à défendre ses contemporaines et une réflexion rétroactive. Traduire, c'est rendre pensable ce qui demeurait extérieur à la pensée française, introduire des problématiques nouvelles au sein de nos outils habituels, pour, au final, les intégrer à une pensée de notre propre histoire.

Dans cette perspective, cet ouvrage se différencie de la volonté exhaustive du classique Feminism-Art-Theory (12), car il n'apporte pas seulement des outils d'analyse et des connaissances, mais tente une historiographie de ces concepts, permettant de comprendre les évolutions de ce courant de pensée durant une longue période – ses emprunts, ses réactions, ses différences conceptuelles. Il diffère de même de l'ouvrage de Peggy Phelan (13) qui retrace avec de superbes illustrations une histoire des œuvres féministes. Cette anthologie met ainsi à disposition des textes qui explorent en profondeur les questionnements suscités par la pensée féministe en histoire de l'art, comblant une carence de traductions dans ce champ. Il s'agit également de s'approprier et d'adapter ces outils théoriques pour analyser l'histoire de l'art française sous cet angle et renouveler la pensée de l'art contemporain, où le stigmate féministe et une lecture androcentrée de l'art sont encore bien vivaces. Si la valorisation de la recherche américaine peut paraître paradoxale pour une chercheuse qui lutte contre cette domination dans le champ de l'art en travaillant des corpus peu valorisés (14), cette position a priori inconfortable se résout fort bien dans l'utilisation stratégique de ces apports historiques riches et précis, dont la transmission nourrit une résistance au sein de la fabrique de l'histoire de l'art française, tout en la dynamisant et en enrichissant de points de vue féministes les analyses des représentations aussi bien anciennes que contemporaines pour répondre aux enjeux sociaux actuels – c'est-à-dire renforcer une puissance d'agir contre toute forme de discrimination et fabriquer une histoire de l'art plus inclusive.

Parmi une pléthore de publications, les quinze textes qui composent cette anthologie, écrits par onze auteures, retracent le développement des théories féministes anglo-américaines en histoire de l'art des années 1970 à 2000, couvrant une large période – du Moyen Âge au XXIe siècle –, soulignant les complexités des échanges entre des générations et des positionnements politico-théoriques composites (15). La division du recueil en quatre thématiques correspond sensiblement à un découpage chronologique : les pionnières, revisiter les siècles passés, masculinités et artistes de couleur, postféminisme et queer. En effet, défendue par une tradition militante et intellectuelle féministe variée, au cœur de polémiques internes vives, cette théorisation comporte déjà plusieurs strates. Pour chacune, un texte de référence éclaire les enjeux d'un aspect précis, soulignant les positions des protagonistes. Les questions soulevées par les pionnières dès la fin des années 1960 sont ainsi représentées par certains écrits de Lucy Lippard, suivis de deux points de vue rétrospectifs particuliers – celui de Laura Cottingham sur les caractéristiques du mouvement californien des années 1970 et celui d'Amelia Jones qui étudie de manière pointue les réceptions polémiques d'une œuvre symbolique, The Dinner Party (Le Dîner, 1974-1979). Ces analyses permettent de mesurer l'ampleur des échanges intellectuels propres à ce champ. Une seconde partie est consacrée à la relecture de l'histoire de l'art des siècles passés, avec le point de vue de Griselda Pollock, des « vieilles maîtresses » à une théorisation des espaces de la féminité, puis les approches davantage teintées de marxisme de Gen Doy et de Linda Nochlin. Deux ouvrages de cette dernière étant disponibles en français (16), le texte peu connu présenté ici porte sur la représentation du travail des femmes, question cruciale dans le contexte actuel. Le troisième volet regroupe des interventions dans les champs plus récents : l'analyse des masculinités à l'époque moderne par Abigail Solomon-Godeau et dans les performances des années 1960-1970 par Amelia Jones, puis une approche des problématiques spécifiques aux représentations des artistes de couleur, notamment afro-américaines, par Lisa Gail Collins et Lisa E. Farrington. Enfin, les textes d'Amelia Jones et de Judith Halberstam synthétisent le développement postféministe et l'insertion des questions queer en histoire de l'art. Malgré quelques absences inévitables, le cyberféminisme par exemple (17), l'ensemble du recueil reflète les apports féministes dans le champ de l'histoire de l'art.

(...)