La photographie comme le cinématographe sont des techniques d'expression de la révolution industrielle dans lesquelles le spectateur ne considère jamais l'original, le négatif, la matrice, mais toujours des copies, des tirages, des doubles. Un être, un acte, un objet, un lieu tente d'expliquer aux enfants comme aux curieux, les uns n'étant pas exclusifs des autres, le pourquoi des dimensions d'une image photographique, d'un tirage. L'ouvrage est illustré d'œuvres de la collection des FRAC de la région Nouvelle-Aquitaine mises en pages dans leurs rapports d'échelle respectifs.
Par ces quatre mots, il est possible de parler du monde entier jusqu'à aujourd'hui, tout autant que de l'histoire complète de la photographie, mais aussi résumer à sa plus simple expression ce que seront vos prochaines vacances. En effet, l'élasticité de ces quatre mots est assez grande pour contenir la planète Terre tout entière depuis deux millions sept cent mille années, date des premiers outils dont nous avons la trace.
Dans un ordre différent, ils content les progrès de la photographie qui présente d'abord des lieux comme « Le point de vue du Gras », réalisé en 1827 par Nicéphore Niépce en périphérie de Chalon-sur-Saône, puis des objets sous forme de sculptures blanches se détachant sur fond noir dans les expérimentations d'Hippolyte Bayard, puis ce sera, à partir de 1840, le temps des êtres avec les premiers portraits daguerréotypés, solidement campés sur leur siège et discrètement immobilisés pour tenir la pose. Car ce ne sera que quarante années plus tard qu'avec du collodion humide on pourra fixer le mouvement et figer sur des négatifs des actes.
Bref, ces quatre mots sont la base de toute dramaturgie et vous ne serez pas déçus ! Dans les pages de ce livre, il y aura bien, et cela à plusieurs reprises, un être, un acte, un lieu, un objet, vous pouvez vérifier cela scrupuleusement.
Aurélien Mole est né en 1975 à Téhéran. Diplômé de l'école du Louvre en histoire de la photographie, il a poursuivi son cursus à l'école nationale supérieure de la photographie à Arles et l'a conclu par une formation sur les pratiques de l'exposition dirigée par
Catherine Perret et
Christian Bernard. Son travail a fait l'objet de plusieurs expositions personnelles et collectives en France et à l'étranger.
Par ailleurs, il a publié dans le magazine
Art21 des critiques ayant trait à l'exposition ainsi que des monographies sur des artistes contemporains (
Aurélien Froment,
Guillaume Leblon, Gaël Pollin…) et publie régulièrement des textes théoriques comme
Les artistes iconographes avec Garance Chabert.
Il réalise aussi des expositions basées sur des dispositifs au sein du collectif le Bureau/ (
Un Plan Simple, Maison Populaire de Montreuil, 2009 ;
Le Syndrome de Bonnard, Villa du Parc, 2014) et en son nom propre (
Les Images Vieillissent Autrement que Ceux qui les Font, CNEAI, 2012 ; Les Référents, avec Etienne Bernard, Gennevilliers, 2012 ;
Véronique avec
Julien Carreyn ;
How Does one portray the wind avec
Marceline Delbecq en 2020 à partir de la collection photographique des FRAC de la région Grande Aquitaine).
Depuis 2008, il réalise la documentation photographique de nombreux artistes, institutions et galeries. Enfin, il est l'un des membres fondateurs de la revue consacrée à la vue d'exposition
Postdocument. En parallèle à ces activités, il a enseigné dans le
Nouveau Département de l'ENSA de Nancy.
Artiste-
photographe français d'origine dano-japonaise, Éric Tabuchi interroge
la culture industrielle contemporaine au travers des signes qui marquent son
paysage et qui déterminent son langage. Le
protocole photographique instauré de longue date par l'artiste consiste à arpenter les routes d'un territoire en évitant soigneusement tout point trop évident d'intérêt – touristique ou autre – afin de localiser des objets et des non-lieux spécifiques que constituent les paysages intermédiaires, égarés entre ville et campagne : autoroutes, zones d'activité commerciale, chantiers, édifices ou autres constructions bon marché.
Le travail de Tabuchi, associant la rigueur technique de la photographie documentaire et le regard ironique d'un
Ed Ruscha, se développe sur un mode sériel, sur le support de livres d'artiste rapidement devenus « cultes » ou dans le cadre d'expositions.
